Dans mes paysages, j’essaie de créer un effet atmosphérique et émotionnel plutôt que spécifique, en me concentrant davantage sur la lumière et les impressions d’un lieu que sur son emplacement réel. J’utilise des couleurs intenses et moyennes, fortement texturées, sur de grandes toiles abstraites, donnant l’impression d’une vision lointaine, les yeux mi-clos. Récemment, je travaille avec de longs formats horizontaux qui divisent le premier plan et l’arrière-plan, renforçant ainsi cette impression d’abstraction.

Dans mes premiers pastels grand format, mes sujets étaient toujours éphémères : nuages ​​ondulants, reflets dans l’eau et jardins luxuriants, mélange de souvenirs d’enfance du jardin de ma grand-mère en Alabama et de celui de ma mère à Ithaca, dans l’État de New York. La chaleur de l’été possède une qualité particulière, surtout en fin de journée, lorsque les objets semblent rayonner de lumière plutôt que la refléter. Ces paysages sont imprécis, évoquant une atmosphère plutôt qu’un lieu précis, de sorte que le spectateur se souvient de ses propres souvenirs, rêves et nostalgie. L’œuvre a souvent été poussée aux limites de l’abstraction pour approfondir ce concept. Le pastel incarne toutes les qualités de l’instant présent: spontanéité, vulnérabilité et couleurs vibrantes.

J'ai fait des études d'art à l'époque conceptuelle, ce qui m'a obligé à apprendre le dessin en autodidacte. C'était intimidant. Le dessin à la plume et à l'encre consiste à construire une surface lentement par de petites marques. Cela le rend très indulgent. Les erreurs sont facilement dissimulées. Mon premier dessin était une salière!

J'ai adoré le côté méditatif et méticuleux du dessin à la plume et à l'encre, et j'y reviens toujours pour ralentir le temps et mon esprit trop actif.
Je considère maintenant cela comme ma pratique de méditation : je commence par une ligne et crée lentement des « arbres aériens » imaginaires très subtils. J'y écris souvent des prières en sanskrit, puis je déguise les mots. Mon idée est que, même sans voir les prières, le spectateur puisse en ressentir les vibrations.

Depuis mon enfance, je suis fasciné par la créativité des cultures primitives. Le mélange d’images, de couleurs et de motifs répétitifs semble couler de manière inconsciente et primitive pour exprimer des émotions et raconter des histoires. Enfant, rien ne me plaisait plus que de créer des formes complexes et interconnectées et de peindre des animaux aux couleurs vives. Récemment, cette préoccupation est revenue, et surtout en ces temps incertains, je suis plus attiré par ce type d’expression que par tout autre. J’ai l’impression de puiser dans l’inconscient collectif, ou du moins dans ce besoin primordial de tracer des lignes. Invoquant le camouflage des insectes ou des papillons, mes œuvres les plus récentes mettent en scène des chaises qui reprennent les motifs des toiles qui les accompagnent, témoins de ces histoires. Parfois, des céramiques enroulées et peintes à la main remplissent cette fonction. J'ai également commencé à intégrer des imprimés comme éléments complémentaires afin

Le processus de fabrication en spirale me relie aux récits des cultures primitives. La sous-glaçure noire que j'utilise pour créer l'argile blanche porte une histoire personnelle dont je ne prends conscience que longtemps après avoir terminé la création.

L'installation « Prière pour la planète » est un travail en cours, composé de 108 luminaires en céramique sculptés et percés (représentant le nombre de perles d'un mala de prière indien). Chacun est fabriqué à la main en faïence. En tant qu'artiste, ce qui m'intéresse avant tout, c'est la beauté et l'imagination. La lumière est élémentaire ; notre regard est toujours attiré par elle. Dans les pièces plus grandes, la surface étant comme une toile plus grande, je peux « dessiner » avec la lumière en motifs variés de trous et de motifs. Mon idée est de représenter un monde à mi-chemin entre un fragile récif corallien et une galaxie, représentant ainsi le microcosme et le macrocosme.